COMENTARIO AL TEXTO DE DANTO

 9, diciembre , 2010

                                                                                   

COMENTARIO AL TEXTO DE DANTO:

La primera idea  que me  sugiere la lectura del texto es que este señor tenía una visión muy reducida del mundo. O, al menos, a lo que el concepto de Arte se refiere. Como todo en la vida, el Arte evoluciona, no es algo estático sino justo lo más opuesto posible a ello. Quizás es lo que realmente lo define: esa capacidad de reflejar el momento donde se encuentra inmerso. No hay más que hacer una visión a lo largo de la historia del Arte, como él mismo plantea, para darse cuenta de ello.

Sí podríamos entender “término de una forma de expresión”, pero no como muerte, sino como evolución, como cambio o una nueva visión.

Por supuesto que toda previsión que se ha hecho del mundo se realiza desde la perspectiva de la época donde estamos inmersos y nunca seremos capaces de anticiparnos prediciendo cómo será. Por mucha imaginación que tengamos. No se trata convertirnos en videntes. No por ello se muere el Arte. No porque caiga un imperio deja de existir el Mundo. A ciertas alturas esta visión apocalíptica debería de estar superada.

 La verdad es que debería alegrarnos ser incapaces de predecir, no ya el Arte, sino la ciencia, la economía, la política. Todo lo que conforma una época. Eso implica la existencia de la capacidad de innovación, de evolución en definitiva.

Esa afirmación tan rotunda de “muerte del Arte” me parece una auténtica soberbia y falta de conocimiento. Es querer establecerse como centro del universo e ignorar o,  mejor dicho, despreciar todo lo que quede fuera de nuestro ámbito.

En cuanto a su planteamiento de que el Arte se haya convertido en filosofía me parece equivocado: siempre ha sido filosofía. Refleja una visión particular del mundo desde la óptica de la época en que es concebida una obra. Plantea su sentido. No es lo mismo el concepto estético ni la finalidad que se busca de una a otra distinta.

¿Por qué ese empeño por buscar un sentido absoluto, una definición global de Arte? Si hay algo absoluto, desde luego sería que nada lo es.

Intentar explicar el fin del Arte es como intentarlo con la Biología, por poner un ejemplo. ¿ Cómo desligarla de la Física, la Química, el sentido del macrocosmos y el microcosmos?

 ¿ Cómo desligar el Arte de la época a la que pertenece, de la cultura en la que está inmerso, la técnica propia del momento, el grado de conocimiento, la expresión, o el grado de evolución del pueblo que lo crea? Es imposible. Por ello, no se puede afirmar que haya muerto, sólo cambia; nada más. Y nada menos.

COMENTERIO AL TEXTO DE

Marín, R. y otros (2003)  “Didáctica de la educación artística”

Madrid: Pearson/Prentice Hall

En el texto planteado se realiza un estudio de la evolución de la educación artística  a través de la historia, desde la antigüedad  hasta llegar a nuestros días. Cómo cambia el interés que se muestra por ella y la concepción de distintas metodologías dependiendo del entorno social y cultural donde este inmerso.

Establece una división en seis etapas fundamentales:

-         la Antigüedad (entendida como la cultura Griega),  donde el dibujo se imparte como una materia mas dentro de la formación académica, con la importancia que ello suponía

-         Edad Media, en la que al desaparecer los centros académicos o escolares, la educación artística se remite a la formación en los talleres artesanos entendiéndola como herramienta para acceder a un oficio

-         Del Renacimiento al Romanticismo. Aparecen las Academias de dibujo. En este periodo la educación se basaba en el dibujo y estaba organizada en una serie de pasos lineales, estructurados de forma  muy rígida y fundamentada en las copias como medio de acceder al conocimiento.

-         El siglo XIX ( 1803- 1886): se implanta el dibujo en la escuela adaptando la metodología a este nivel educativo y prestándole la importancia que suponía el conocimiento de este tipo de lenguaje en la sociedad que se desarrolla en estos momentos. Se divide en artístico y técnico. Aparecen distintos manuales y materiales didácticos desarrollados por pedagogos   donde se recogen diferentes métodos de enseñanza. La educación artística se entiende como un sistema para acceder al conocimiento pero se sigue fundamentando en la copia de láminas. La creatividad infantil no se tiene en cuenta. El niño se considera un ser a modelar.

-         Primera mitad del s XX: la novedad fundamental que presenta es tener en cuenta la capacidad creativa de la infancia propiciando un cambio en las teorías educativas. Esto se debe al posicionamiento de la sociedad de este momento, al conocimiento de otras formas de expresión artística distinta de la cultura  europea que conlleva el desarrollo de las vanguardias. Lo que también afecta al plano educativo. Se comienza a dar importancia a la motivación y estimulación artística de los niños considerándolos como creadores de un lenguaje propio, dejando a un lado la imposición del estudio del dibujo en estructuras rígidas e inamovibles.

     Al igual que en las etapas anteriores esto se plantea a través de una serie

     de autores pertenecientes a distintos ámbitos de la cultura del momento

     como C. Ricci, F. Cizek, P. Luquet y c. Freinet.

-         Segunda mitad del s XX: Tienen lugar dos hechos fundamentales. Por un lado, la creación de la INSEA en 1951 ( Sociedad Internacional de Educación a través del Arte) que , junto con la UNESCO , y apoyándose en la teoría de una serie de pensadores pertenecientes a distintos ámbitos de la cultura, como son: Herbert Read, Viktor Lowenfeld, y posteriormente se suman Arnheim y Donis; establecen la educación artística obligatoria en primaria y secundaria basando su metodología en la libre expresión del individuo como forma de  desarrollo, para llegar al conocimiento y comprensión del mundo que le rodea. Es decir, consideran el lenguaje visual como un modo de conocimiento, como un proceso intelectual donde la percepción visual se llega a entender porque somos capaces de descodificarla a través del pensamiento visual. Consideran  el Arte como una forma de generar conocimientos y, por tanto constituye un lenguaje susceptible de ser codificado, como el lenguaje verbal,  a través de unos elementos básicos, y como él se debe establecer en la enseñanza con una metodología concreta. Pero siempre basado en la autoexpresión creativa y en la importancia de aprender a investigar, no a copiar.

Por otro lado, el proyecto DBAE, o educación artística basada en la disciplina (1980), promovido por Elliot Eisher que considera la actividad artística como una elaborada constitución de conocimientos especializados que son distintivos de cada cultura. Insiste en la importancia de establecer la educación artística desde primaria. Sus objetivos son parecidos a la corriente anterior: que el individuo sea capaz de desarrollar habilidades y conocimientos para comprender y apreciar el mundo donde está inmerso, pero a través de las teorías y conceptos artísticos. Propone una metodología distinta. Para él la formación en el arte debe tener un programa tan riguroso como cualquier otra disciplina. De hecho llega ha desarrollar una serie de manuales y material didáctico. Se basa en cuatro pilares fundamentales: la estética, la crítica, la historia y la creación. Considera a las obras de arte consagradas como un referente a tener siempre en cuenta, pero abre el campo a distintas culturas, no centrándose en la occidental, todas aportan una visión distinta. De esta forma, a través del conocimiento y fomentando la creación se llega al respeto y comprensión del mundo, desarrollando la capacidad crítica. Entiende que la formación y la creación no están contrapuestas, al contrario, mientras más formación en las distintas disciplinas artísticas se estará más capacitado para ser original y creativo.

Pero  también tiene sus defectos, le presta demasiada importancia a las obras de arte en detrimento de otras más cotidianas y establece una excesiva dependencia entre la enseñanza del arte y los ámbitos académicos lo que hace demasiado lento la incorporación de nuevas disciplinas emergentes y temática actual.

De este texto se pueden desprender una serie de conclusiones, no solo con respecto a la educación artística, sino también cómo va evolucionando el pensamiento a lo largo de la historia.

Desde la antigüedad clásica hasta el siglo XX, la enseñanza del arte ponía más énfasis en el  punto de vista técnico basada en el dibujo y, aunque en algunos momentos si se considera una actividad intelectual, deja poco espacio a la creatividad fundamentándose en la copia. Por tanto, en una visión única del mundo. Esto trae consigo una lentitud en la evolución de los conocimientos, no solo artísticos, ya que el arte supone un lenguaje capaz de generar una comunicación y por tanto transmisión de ideas.

Ya en el siglo XX se plantea una visión más global del mundo. Mirando a otras culturas se empieza a apreciar la importancia de la creatividad infantil como una verdadera muestra artística  y se valora esta capacidad para llegar a la adquisición de conocimientos puesto que representa una herramienta muy útil a la hora de acercarse a otras disciplinas. Pero creo que aunque la idea como tal es muy buena, a la hora de llevarlo a la práctica debe resultar verdaderamente difícil. Los niños se expresan naturalmente y de forma muy creativa en cuanto se les da oportunidad de ello. Eso es cierto, pero ¿de que manera incitar en ellos la investigación y autoformación a través del Arte? Creo que es un método extraordinariamente complicado  ya que requiere de un sistema educativo totalmente individualizado. Sería ideal, pero muy difícil llevarlo a la práctica en las condiciones actuales en que se encuentra la enseñanza. Además en cuanto se va desarrollando este método aparecen contradicciones: en cuanto consideran al dibujo, o expresión artística, como un lenguaje distinto del verbal se comienza a establecer unos códigos o elementos básicos para su expresión, con lo que parte de esa creatividad y autoformación  se pierde.

Aunque  me parece muy acertado fomentar la creatividad y la investigación, también me parece fundamental el conocimiento de las diferentes técnicas y corrientes artísticas. De otro modo quizás se estaría obligando a redescubrir lo ya inventado.

En cuanto a la última corriente, el proyecto DBAE, es el que considero más acertado. No solo tiene en cuenta la formación técnica, la creatividad y las distintas corrientes a lo largo de la historia en todo el mundo, sino que fomenta el espíritu crítico. Esto me parece fundamental. El hecho de conocer y asimilar el conocimiento desde un punto de vista crítico ayuda a seguir avanzando y puede ser realmente creativo. Pero este sistema no deja espacio a la revisión, o mejor dicho a la actualización e incorporación de nuevos puntos de vista. Y en la sociedad actual resulta muy importante teniendo en cuenta la velocidad con que se desarrollan los medios y los diferentes acontecimientos.

 La grandes abandonadas son las nuevas tecnologías. Ahora se hacen indispensables para todo,  resultan un elemento básico, como saber leer. Pero ¿realmente esta incorporada en la educación como una herramienta de trabajo al nivel que se exige? Ni siquiera en la facultad, donde te exigen el conocimiento de una serie de programas como básicos para el trabajo. Pero resulta muy difícil estar al día, en muchos casos hasta para los formadores.

definición de educación

 Antes de proyectarnos en clase la película  titulada "El muro" se nos pidió que cada uno diesemos una definición de lo que entendemos como concepto de educación. Esa es mi propuesta:

        
                     Educación es la acción de conducir a un individuo o un conjunto de individuos a la adquisición de conocimientos y actitudes desarrollando su capacidad de de razonamiento, de tal forma, que sea capaz de asimilarlos y enfrentarse a ellos con un espíritu crítico.

comentario al segundo texto: "El arte como sistema cultural

COMENTARIO AL TEXTO: GEERTZ, CLIFFORT:

Conocimiento local. Ensayo sobre la interpretación de las culturas. Barcelona,Ed: Bidós Iberica S.A.

EL ARTE COMO SISTEMA CULTURAL

Este texto intenta unificar el concepto de arte en las diferentes culturas.

 Para él supone una manifestación humana al mismo nivel que se encuentra la religión, la política, el sistema económico con que se desarrolla o el mismo idioma que utilizan para comunicarse. Es mas, supone un tipo de comunicación que trasciende del lenguaje hablado siguiendo una tipología de signos plena de significado dentro de la cultura a la que pertenece.

Para explicar su postura recurre a una serie de ejemplos pertenecientes a distintas culturas con diferentes niveles de desarrollo: desde las primitivas como los yorubas o aborígenes, hasta el quattrocento italiano, como máximo exponente del refinamiento en cuanto la utilización de códices para la composición e interpretación de sus obras.

También estudia las relaciones entre las distintas disciplinas artísticas.

Establece una interacción entre el concepto del arte y el de la estética. Sitúa a la estética de tal forma que otorga a los objetos de arte de una significación cultural. Llega a la conclusión de que  entender el arte implica conocer el modelo de experiencia donde se desenvuelve un colectivo. Por ello se llega a la capacidad de clasificarlo dependiendo de la época y la cultura a la que pertenece.

En este sentido, se conecta con la definición que planteé en su momento a cerca del Arte en cuanto a que supone un tipo de manifestación humana, que se expresa siguiendo las estructuras mentales del grupo al cual pertenece.

Igual ocurre con la estética presentándose como una forma de mostrar el sentido que tiene cada cultura de los tres valores universales: lo Bueno, la Belleza y la Verdad y cómo los codifica en sus distintas manifestaciones.

comentario al texto de María de Corral

                                                                                   Día: 30 octubre 2010

2º EJERCICIO:

              INTERPRETACIÓN Y COMPRACIÓN DE TEXTOS

Comentario al texto de María del Corral: “el arte en este fin de siglo”

Según aparece en este texto se puede interpretar el Arte como un discurso de realidades humanas. Se adapta a las nuevas formas de lenguaje social como la fotografía, la aparición e invasión de los ordenadores y la informática.

 En él se realiza un análisis de la situación en el panorama del arte a lo largo de las distintas décadas del siglo XX comparándolo con el anterior. Va profundizando en los cambios que se experimentan al introducir la visión femenina como sujeto creador y  el papel que juega la hora de combinar intuición y racionalidad como componentes de este nuevo lenguaje creativo. Se plantea como una ampliación de posibilidades, como una transformación dentro del campo de la comunicación que supone el Arte como manifestación humana, donde el artista deja de ser el emisor del mensaje y se convierte en un ente que nos enfrenta a la realidad cotidiana despertando nuestra capacidad crítica.

En definitiva, estudiando diferentes artistas actuales, nos plantea su visión del arte, concluyendo en dos formas distintas: por un lado como colección de obras maestras, y por otro, como un proceso creativo que refleja la vida.

Estas conclusiones dan paso a cuestionarnos ¿qué es una obra maestra sino una obra donde el artista ha logrado plasmar las inquietudes y el sentir de una época en concreto con un grado de calidad? De esta forma la obra se convierte en un testimonio de su época enlazándose con su segunda visión donde plantea que el proceso creativo refleja la vida, y por tanto, va evolucionando con ella.

En este sentido creo que mi definición de Arte esta muy relacionado con el texto en cuanto que se propone como una manifestación humana, una forma de lenguaje que evoluciona y se adapta a las distintas formas de interpretar y sentir el mundo donde estamos inversos.

También enlaza con la idea de artista propuesta ya que en los diferentes ejemplos de creadores a los que nos remite, se pone de manifiesto esa autenticidad y originalidad en cuanto al uso formal, técnico y mental que  muestra en cada una de sus creaciones. Cómo están inmersos en la época que les toca vivir. Siguen realizando obras de arte aunque el gusto, o la estética, sea diferente. Esto solo supone una evolución.

14 oct 2010 Definición de: Arte, Artísta y Estética

ARTE:  
         Manifestación humana material o inmaterial que partiendo del mundo que nos rodea crea un ente donde se pone de manifiesto el pensamiento, la técnica y formación de su autor. Se convierte en un testimonio de las estrcturas mentales colectivas, en un modo de comunicación o de formas de civilización que están por encima del lenguaje hablado y del aspecto funcional de los objetos.


ARTISTA:
                 Persona que se dedica al diseño y la creación de obras de arte, sean ésats materiales o inmateriales. Para ello debe cumplir una serie de características que se peden resumir en dos: ser auténtico y original.
Auténtico en cuanto trabaja con técnicas y materiales de su época, transmita el sentir de la cultura donde se halle inmerso, sus inquietudes e ideología. Que formalmente organice su obra dentro de una estructura de buena calidad.
Original en cuanto al grado de creatividad que sea capaz de imprimir en su obra. Cómo partiendo de distintas fuentes puede llegar a realizar una obra con caracter propio, dejando translucir su sentido estétco, lo que para él resulte verdadero y bueno.
Por tanto, a mayor grado de cultura y formación se llegará a ser mejor artista.


ESTÉTICA:
                  Procede del griego: aisthésis, que significa sensación. Indica toda consideración o investigación relacionada con la belleza y el arte. Abarca desde el plano filosófico hasta el análisis de las obras y los hechos. Las preferencias prácticas de cada época (gustos) y cada artista.
Esta en conexión directa con el sentido de la armonía y con los tres valores fundamentales: el Bien, la Verdad y lo Bueno.